viernes, 18 de diciembre de 2015

Mattia Preti (1613-1699). El Barroco puro y duro.

  Este pintor calabrés que pasó media vida en Malta, donde falleció, es uno de los máximos exponentes del exuberante estilo barroco italiano de la segunda mitad del Seiscientos. Era conocido por el sobrenombre de  "Il Cavaliere Calabrese". Influenciado por Caravaggio y, por tanto, tenebrista,  constituye una muestra más de cómo la Contrarreforma  logró condicionar el arte de manera definitiva al servicio de sus postulados. Sus cuadros resaltan esa teatralidad de las acciones, ese juego de luces y sombras, las perspectivas en diagonal junto con la depurada técnica, esa sensación de movimiento captado por la paleta del pintor en el momento álgido de la acción, los predominios del color, con sus códigos y mensajes, la preceptiva iconográfica al uso, etc, etc. Todos esos elementos tan genuinos utilizados en la pintura del Barroco confluyen en Mattia Preti, hasta convertirlo en uno de los grandes integrantes de ese movimiento.

"La boda de Caná"(1655). National Gallery. Londres








"El banquete de Absalom" (1653-1659). Museo Nazionale di Capodimonte. Nápoles













"Susana y los viejos" (1655-1660). Fondazione di Studi di Storia dell’Arte Roberto Longhi, Florencia.







"El banquete de Herodes"





"Cristo en gloria con santos" (1660-1661). Óleo sobre lienzo, 220 × 253 cm. Museo del Prado.Madrid. De Mattia Preti - [2], Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=48192457


 Mattia Preti
Taverna, Catanzaro (Calabria), 24/02/1613 - La Valetta (Malta), 03/01/1699
Pintor italiano. Es conocido como "Cavalier Calabrese" por su procedencia y posterior nombramiento como caballero de la Orden de Malta. Después de su paso por Nápoles llegó a Roma a comienzos de la década de 1630 junto a su hermano Gregorio, también pintor. Allí se relacionó con los caravaggistas y los pintores de género popular, pero no desdeñó el estudio de los clasicistas emilianos, como Domenichino y Lanfranco, por lo que su pintura se tiñó del neovenecianismo romano. Después de un paso por Módena, Preti regresó a Nápoles en 1656, el año de la gran peste en la ciudad, convirtiéndose en uno de los protagonistas de la escena pictórica, donde, además, se enriqueció del encuentro con eljoven Luca Giordano. En 1661 se trasladó a Malta, siendo nombrado caballero y trabajando allí hasta el final de sus días. Ello no le impidió seguir recibiendo encargos de las iglesias de Nápoles, la ciudad donde había dejado la mejor impronta de su arte. En el Museo del Prado se le ha relacionado con tres obras: un dibujo para la decoración de un techo, "El agua de la roca", un lienzo proveniente del palacio del Buen Retiro, donde se cita en 1701, y "La Gloria", comprado en 1969. Las fuentes antiguas coinciden en abundar en los trabajos que realizaría para patronos españoles, especulándose incluso sobre un posible viaje a España no documentado.
(García López,D. En: E.M.N.P, 2006, Tomo V, p.1791-1792). 
(Fuente: www.museodelprado.es)


sábado, 12 de diciembre de 2015

Georges de La Tour (1593-1652), el tenebrismo francés.

Georges de La Tour representa la cumbre del estilo tenebrista en Francia. Sin negar la influencia que tuvo sobre él Caravaggio, hay que dar quizá más importancia a  su relación  con la escuela de Utrecht, y en especial con  Gerard van Honthorst.
 Si en Caravaggio la luz en los cuadros tiene un origen indeterminado, que no se aprecia dentro del plano de la obra, en Georges de La Tour el foco luminoso suele proceder de una fuente concreta, tal como una vela , una antorcha, una bujía. 

(«La Tour» de Georges de La Tour - Web Gallery of Art:   Image  Info about artworkhttp://www.magnificat.com/lifeteen/ image. Disponible bajo la licencia Dominio público vía Wikimedia Commons - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:La_Tour.jpg#/media/File:La_Tour.jpg)
(«Georges de La Tour 007» de Este archivo carece de información acerca del autor. - The Yorck Project: 10.000 Meisterwerke der Malerei. DVD-ROM, 2002. ISBN 3936122202. Distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH.. Disponible bajo la licencia Dominio público vía Wikimedia Commons - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Georges_de_La_Tour_007.jpg#/media/File:Georges_de_La_Tour_007.jpg)

"San José carpintero". 1642. Museo del Louvre París.



"El sueño de San José". 1640. Museo de Bellas Artes de Nantes





"Magdalena penitente de la lamparilla". (1642-1644). Óleo sobre lienzo. Museo del Louvre. París.





martes, 8 de diciembre de 2015

"Virgen del Canciller Rolin". Jan van Eyck.

 Lo que más me llama la atención  de este impresionante cuadro de Jan van Eyck  es la sensación de aire, de atmósfera, que se percibe en él. Parece un elemento más de esta pintura. La nitidez de los contornos , la minuciosidad de los detalles, la claridad de las líneas, todo eso nos hace tener la percepción de que llevamos puestas unas lentes con un poder de resolución superior al que nos permitiría la propia Naturaleza. Percibimos esa realidad como si acabáramos de sanar de una miopía de la que no éramos conscientes hasta ese momento.

[Cabría también hacer mención a la proverbial arrogancia del Canciller Rolin. A la misma altura de la Virgen, su mirada y su actitud no expresan precisamente devoción, humildad o recogimiento. En el fondo se trata de transmitir bien a las claras (con este culto a la personalidad que constituye en realidad la esencia de esta pintura) una idea de poder implacable  avalado por la mismísima Virgen.]

(«Eyck madonna rolin» de Jan van Eyck (hacia 1390–1441) - cgfa.sunsite.dk : Home : Info : Pic. Disponible bajo la licencia Dominio público vía Wikimedia Commons - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Eyck_madonna_rolin.jpg#/media/File:Eyck_madonna_rolin.jpg)






  “Virgen del Canciller Rolin” (1435). Museo del Louvre. París.
  
Jan van Eyck
 ["(Maaseik?, h. 1390/ 1400-Brujas, 1441). Pintor flamenco, mencionado por primera vez en 1422 en la corte de Juan de Baviera, conde de Holanda en La Haya. Después de la muerte de éste, entró como pintor de corte al servicio de Felipe el Bueno, duque de Borgoña. Se instaló en Lille, centro administrativo del ducado. Tambien realizó para el duque varios viajes a Portugal y España. En 1432 se instaló en Brujas, donde compró una casa y poco después contrajo matrimonio con una cierta Margarita, con la que tuvo dos hijos. Sus pinturas datadas son todas de la última década de su vida, cuando vivía en Brujas. El principio de su carrera apenas está documentado. Hacia mediados del siglo XV disfrutó de gran fama por toda Europa. Su obra maestra es, sin duda, el Retablo del Cordero Místico (catedral de San Bavón, Gante), un políptico terminado en 1432. Escritores de la época, como Vasari, le atribuían la invención de la técnica al óleo. Aunque eso no es totalmente cierto, Jan van Eyck sí llevó esta técnica a una gran perfección. Característica en su obra es la superposición de finas capas de pintura que producen un efecto transparente y reflectante. Con este método llega a representar con gran minuciosidad la calidad de las telas, la piel, la transparencia de los vasos, etc. Otra de sus obras maestras es el retrato del Matrimonio Arnolfini (National Gallery, Londres), en el que combina el rea­lismo y el simbolismo oculto con el sentido de espiritualidad."]
 (Fuente: www.museodelprado.es)









"Festín nupcial" (o "Boda campesina "). Brueghel El Viejo (1568).



“(...). En cuanto al tema, debe observarse que si la novia, con su diadema, aparece saciada, sentada y entontecida (sic) sobre el paño verdiazul, a la izquierda -según se supone- de la madre y del padre, el marido no queda identificado: quizá sea el joven que está llenando las jarras, a la izquierda, ya que parece haber sido costumbre que el recién casado ayudara a servir la mesa [Baldass, 1948]. En el personaje con espada que, a la derecha, sentado sobre un barreño boca abajo, conversa con el fraile y que habitualmente es considerado el juez o el señor de la aldea, tal vez no sea aventurado ver los rasgos del pintor - “ lejano pariente y copaisano” dispuesto a tomar apuntes del natural [Van Mander]- por cuanto resultan bastante parecidos al grabado de Ortelius o a los del personaje que , en la Predicación del Bautista, Tolnay se inclina a identificar precisamente con Brueghel. 
 La fiesta se desarrolla en un granero, al compás de dos cornamusas (¿era tradicional que fueran dos en tales ocasiones?); los comensales se entregan con empeño a la comida y a la bebida: gente sensual en cuyos gorros luce con frecuencia no plumas o flores, sino cucharas (único cubierto utilizado entonces, aparte del cuchillo que solía llevarse en el cinturón), siempre dispuestas a hacer trabajar las mandíbulas; la niña (o niño) en primer término, con su glotonería es el más elocuente símbolo de ello. (...).
 Con bastante razón observa Jedlika que la silla que sobresale a la derecha marca exactamente el esquema de la composición: una vertical y dos diagonales: las pilastras del granero, las barras que utilizan dos personajes para llevar los platos sobre una puerta desgoznada, y la mesa dispuesta en profundidad; a este ritmo se amoldan los servidores, los músicos y todo el resto”. 
   (Piero Bianconi. La obra completa de Brueghel. Clásicos del Arte. Noguer-Rizzoli Editores. Barcelona, 1982).


"Festín nupcial" (o "Boda campesina "). Brueghel El Viejo (1568).
  Óleo sobre madera.Museo de Historia del Arte, Viena. Austria

«Pieter Bruegel the Elder - Peasant Wedding - Google Art Project 2» de Pieter Brueghel el Viejo (1526/1530–1569) - Google Art Project: Home – pic Maximum resolution.. Disponible bajo la licencia Dominio público vía Wikimedia Commons - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Pieter_Bruegel_the_Elder_-_Peasant_Wedding_-_Google_Art_Project_2.jpg#/media/File:Pieter_Bruegel_the_Elder_-_Peasant_Wedding_-_Google_Art_Project_2.jpg


sábado, 5 de diciembre de 2015

La playa de Navagio en la isla de Zakynthos


Cuando terminó la Odisea, Ulises y Penélope pasaron aquí unas vacaciones...






Zakyntos es una isla griega del mar Jónico. En ella se encuentra la playa de Navagio, que significa naufragio en griego. En esta playa descansa el pecio del barco Panagiotis, que naufragó en esta costa en oscuras y confusas circunstancias. La difusión de las imágenes de los restos del navío en medio de la arena blanca bañada por aguas muy azules desde las alturas del acantilado, por parte del gobierno griego, supuso una promoción turística muy eficaz que puso de moda este lugar como destino de viajeros y curiosos. Se consiguió así frenar el galopante descenso demográfico que afectaba a esta isla llena de olivos y escarpados acantilados y aquejada de una frecuente actividad sísmica. 






La Historia, las fronteras, los pueblos... la Tierra


 La Historia es muy larga y no es estática. A los que cruzaron el estrecho de Bering hace milenios y formaron los pueblos amerindios no se les puede decir que son forasteros y que son en realidad de Asia. Los sajones que había en Inglaterra cuando la invadieron los normandos, a su vez habían sido también invasores cuatro o cinco siglos antes y procedían del continente. Vamos todos juntos en esta nave espacial dando vueltas eternamente al Sol, y éste, a su vez, orbitando con todo el Sistema Solar, por la Galaxia. Y ésta dirigiéndose contra la de Andrómeda, y todas juntas dirigidas contra el Gran Atractor.



"Puerto con el embarque de la Reina de Saba". Claudio de Lorena (1600-1682)

Las pinturas de este artista perseguían la consecución del "paisaje ideal", envuelto en un onírico e idealizado mundo clásico. ¿Se trataría de esa antigua aspiración del ser humano de encontrar un "locus amoenus", una "Arcadia feliz", un "Paraíso perdido" en una "Edad de Oro" añorada?



"Puerto con el embarque de la Reina de Saba" (1648). National Gallery de Londres.

«Claude Lorrain 008» de Claudio de Lorena (1604/1605–1682) - http://www.nationalgallery.org.uk/paintings/claude-seaport-with-the-embarkation-of-the-queen-of-sheba. Disponible bajo la licencia Dominio público vía Wikimedia Commons - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Claude_Lorrain_008.jpg#/media/File:Claude_Lorrain_008.jpg


De Giorgione (o Tiziano) a Manet


  Entre estas dos obras median más de tres siglos. La primera, “Concierto campestre”, datada en 1510, ha sido atribuida durante bastante tiempo a Giorgione, aunque la crítica actual es partidaria en general de considerarla de Tiziano, en lo que sería una obra de juventud de éste último.  En un paisaje renacentista aparecen dos mujeres desnudas -una vertiendo agua en un pozo y la otra tocando la flauta- acompañando a dos jóvenes músicos que están totalmente vestidos. Este cuadro encierra varias interpretaciones. La más usual nos habla de una alegoría de la Música y de la Poesía, en medio de un ambiente onírico e idealizado. También se podría interpretar como la constatación  de los cuatro elementos primordiales. En fin, es una pintura que se presta a múltiples simbolizaciones, algunas ciertamente muy peregrinas, por lo que tiene de irreal y de enigmático. 
 La segunda obra es “Le Dejeuner sur l’Herbe” (“El amuerzo sobre la hierba”) de Édouard Manet. Está fechada en 1863. No podemos evitar considerarla un lejano trasunto de la primera. Cuando fue expuesta por primera vez  provocó no poco escándalo por lo que de provocador tenía el contraste del desnudo de una mujer en medio de dos jóvenes vestidos. Manet se sentía fascinado, en sus visitas al Louvre, por la obra atribuida a Giorgione. Demuestra en esta pintura un gran conocimiento de muchos conceptos aplicados por  los antiguos maestros. Este cuadro en realidad es un ejercicio de libertad a sabiendas de su potencial trangresor, teniendo en cuenta la mentalidad imperante en esa época.
 En mi modesta opinión, ambas obras serían en el fondo una expresión de la vieja búsqueda del “Locus amoenus”, ya propuesto desde muy antiguo por los autores clásicos.

«Fiesta campestre» de Giorgione - [1] ([2]). Disponible bajo la licencia Dominio público vía Wikimedia Commons - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Fiesta_campestre.jpg#/media/File:Fiesta_campestre.jpg

«Édouard Manet - Le Déjeuner sur l'herbe» de Édouard Manet - wartburg.edu. Disponible bajo la licencia Dominio público vía Wikimedia Commons - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:%C3%89douard_Manet_-_Le_D%C3%A9jeuner_sur_l%27herbe.jpg#/media/File:%C3%89douard_Manet_-_Le_D%C3%A9jeuner_sur_l%27herbe.jpg